美术教育系列
这篇文章，作者
我们的编辑尼尔·柯林斯（Neil Collins）专为艺术专业的学生而设计
和 艺术学校 作为一部分
新的艺术系列
升值。
什么是艺术评估？
评估艺术品的任务，例如 绘画 或一个 雕塑 ，需要结合客观信息和主观意见。 是的，对艺术的欣赏确实是高度主观的，但是评估图片的目的不仅仅是确定您是否喜欢/不喜欢图片，而是为什么要喜欢/不喜欢它。 这需要一定的知识。 毕竟，您对14岁大的孩子在学校操场上绘制的绘画的评估可能与40岁的米开朗基罗的相似绘画的评估大不相同。 同样，在评估写实肖像与表现主义肖像的真实生活质量时，不能使用相同的标准。 这是因为表现主义画家没有试图捕捉与现实主义画家相同程度的视觉客观性。 简而言之，艺术评估者需要产生一些事实，以此作为他们的观点的依据：即，关于（1）艺术品背景的事实； （2）艺术品本身。 一旦掌握了事实，就可以进行评估。 我们可以获取有关背景和艺术品本身的信息越多，我们的评估就越有道理。
定义和术语
请注意，在本文中，术语“艺术评估”，“艺术评估”和“艺术欣赏”可互换使用。
艺术评估不只是喜欢或不喜欢
在详细介绍如何评估艺术之前，让我们再次强调艺术欣赏的全部要点是解释我们为什么喜欢或不喜欢某些事物，而不仅仅是解释我们是否喜欢它。 例如，您可能最终会讨厌图片，因为它太暗了，但是您可能仍然喜欢它的主题，或者欣赏它的整体信息。 简单地说，说“我不喜欢这幅画”是不够的。 我们需要知道您的意见背后的原因，以及您是否认为该作品具有积极的品质。
如何欣赏艺术品
了解并欣赏艺术品的最简单方法是调查其背景或背景。 这是因为它可以帮助我们了解艺术家创作相关作品时的想法（或可能曾经）。 将其视为基本的侦探工作。 从这些问题开始。
A.如何评估作品的背景/背景？
这幅画是何时创作的？
知道工作的日期有助于我们评估其制作方式以及涉及的难度。 例如，在摄影术流行之前（c.1860）产生的风景，或可折叠的锡制油漆管（1841）的出现，具有更大的难度。 油画 在文艺复兴之前或文艺复兴之后，由艺术家以有限的手段生产的产品将不包含由磨碎的 青金石Lapis Lazuli 制成的神话般但天价昂贵的天然蓝色颜料群青。
绘画是抽象的还是代表性的？
一幅画可以是完全抽象的（意思是，它与任何自然形状都不相似：一种称为 非客观艺术 ），有机抽象（与天然有机形式有些相似），半抽象（在一定程度上可以辨别数字和其他物体），或 代表性 （其形象和其他内容可立即识别）。 显然，抽象作品的目标与代表性作品的目标大不相同，因此必须根据不同的标准进行判断。 例如，一张完全抽象的图片不会尝试用任何 自然主义 因此，其效果完全取决于其形式质量（线条，形状，颜色等）。
这是什么类型的绘画？
绘画有不同的类型或类别（称为 绘画风格 ）。 已建立的流派是：景观，肖像，流派绘画（日常场景），历史和静物。 在17世纪，欧洲伟大的学院，例如罗马的艺术学院，佛罗伦萨 的艺术学院 ，巴黎 美术学院 和伦敦的皇家学院遵循教授于1669年制定的规则安德烈·费利宾（Andre Felibien），秘书长 法国学院 ，将其流派排名如下：（1） 历史绘画 -与 宗教画 也许是一个独立的类别； （2） 画像 ; （3） 体裁绘画 ; （4） 山水画 ; （5） 静物 。 这种等级制度反映了每种流派的道德影响。 专家认为，通过历史图片，肖像画或体裁画而不是风景画或静物画可以更清晰地传达 道德信息 。
除上述五种外，其他类型的绘画包括：城市景观，海洋绘画，图标，祭坛画，缩影，壁画，照明，插图，漫画，卡通，海报艺术，涂鸦，动物图片等。
这些绘画类型中有许多具有关于构图，主题等的传统规则。 这尤其适用于 宗教艺术 。 例如，在文艺复兴时期和巴洛克绘画中多次出现的基督教主题必须包含某些圣人形象，并且必须符合某些构图规则。 此外，画家经常回想起同一类型的早期图片（弗朗西斯·培根的《尖叫的教皇》仿照了其中一种 最伟大的肖像画 -Velazquez的《无辜X肖像》 ）。 因此，最好将绘画与其他同类作品进行比较。 有关更多提示，请参见： 如何欣赏绘画 。
绘画与哪个学派或运动有关？
“学校”可以是全国性的艺术家团体（例如古埃及学校，西班牙学校，德国表现主义）或本地团体（例如代尔夫特荷兰现实主义学校，纽约阿什坎学校，巴黎高等学校），或一般的审美运动（例如 巴洛克 ，新古典主义，印象派，野兽派，立体派，达达，超现实主义，波普艺术），本地或艺术家团体（例如Der Blaue Reiter，纽约抽象表现主义学校，Cobra Group，Fluxus，St Ives学校），甚至是一般趋势（现实主义，表现主义）。 或者，学校可能会关注特定类型（例如 巴比松学校 和Newlyn School，都是景观团体； 拉斐尔前派兄弟会，历史或文学主题的图片或绘画方法（例如，新印象派，基于 点画 -分区主义色彩理论的一种变体），或自然世界的某个方面（例如，建构主义，致力于反映现代工业世界），或者政治或数学符号（例如，朴素的 新Plasticism ）。
知道很多 艺术运动 这幅画的归属可以使我们对其构图和含义有更深入的了解。 在学校 埃及艺术 例如，画家必须遵守有关组成和色彩的特定绘画规则。 因此，数字是根据其社会地位而不是参考 线性透视 。 头部和腿部始终显示轮廓，而从正面观察眼睛和上半身。 埃及画家使用的颜色不超过六种：红色，绿色，蓝色，黄色，白色和黑色-每种颜色都代表着生与死的不同方面。 其他文化和文化流派也有自己的特定准则。 荷兰现实主义艺术家 重视精确，逼真的室内和周围环境的复制-肖像画除外，其目的是使拍摄对象美化：cf. 伦勃朗的 《守夜人》 。 印象派画家通常珍视松散的笔法，以捕捉短暂的光线印象。 立体主义者不赞成线性透视的一般规则，而是将他们的主题分解为一系列扁平的透明几何板，这些板以不同的角度重叠和相交。 像皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）这样的De Stijl艺术家在其照片中仅使用几何形式，而线条始终是水平或垂直的-而不是对角线的。 等等。
请注意， 西方 艺术与 东方 艺术有很大的不同。 国画 例如，专注于事物的精神内在本质，而不是外观。
图片在哪里画？
知道在哪里以及在什么情况下创作一幅画通常可以提高我们对相关作品的欣赏和理解。 这里有些例子。
在摇摇欲坠的脚手架上危险地平衡， 米开朗基罗 画了天花板 西斯廷教堂 （12, 000平方英尺的巨大面积）在1508年至1512年的4年间几乎没有任何帮助。 基督教艺术 是 在原地 创建 的 ，而不是在一个温馨的工作室中创建的，有助于我们欣赏这项任务的艰巨性。
莫奈，法国领导人 印象派 ，毕生致力于 空气画 。 在他的晚年，他的房子旁边有一个日本水上花园，上面铺着百合花池，正是在这里他创作了一系列大型的睡莲画。 毕沙罗（Pissarro）的绘画大部分还是在户外，因此总是有大量未完成的绘画，因为光线在他完成工作之前经常会消失。 这解释了为什么他画相同的场景或图案（以捕捉不同的光线），以及为什么他的笔法如此快速和松散。 另一方面，马奈（Manet）和德加（Degas）都是城市人，只在他们的工作室工作，在那里他们可以完善和完善自己的作品。 其他出色的普通空气画家包括斯堪的纳维亚画家Kroyer和Hammershoi（被称为“光画家”），他们在丹麦的斯卡恩创作了许多杰出的风景画。
周围环境可能会对画家的情绪以及他的绘画产生重大影响。 梵高和高更就是很好的例子。 梵高（Van Gogh）在他的十年绘画中，在荷兰艰难的日子里绘画时，他依靠深色（例如， 《食土豆的人》 ，1885年）。 当他受到印象派的影响时，在巴黎改用更浅，更明亮的色彩。 当他在里维埃拉附近的阿尔勒画画时，变成了鲜艳的黄色（ CaféTerrasse by Night ，1888年）； 在他的最后时期恢复为深色颜料（《橄榄色选择器》，1889年，以及不祥的 麦田和乌鸦 ，1890年）。 梵高去世一年后的1891年，法国艺术家保罗·高更（Paul Gauguin）乘船前往塔希提岛和太平洋岛屿，在那里度过了生命中最后十年的大部分时间，生活在极端贫困中。 然而，他的回归自然为他的画作注入了巨大的生命和色彩，以及 原始主义 在毕加索和其他人中发现了回声。
法国内斗主义者爱德华·沃拉德（Edouard Vuillard）是一位特别有趣的艺术家，他与他的母亲（裁缝店）在巴黎的一系列公寓中生活了60年。 他的母亲从家里跑了她的 紧身胸衣 ，使Vuillard有很多机会来观察她的衣服的图案，材料，颜色和形状。 所有这些都在他的画作中得到了认真的体现。
有一次，在流行艺术时期，流行音乐的开创者罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）非常贫穷，以至于他呆在自己的公寓里并在自己的床上涂了被子，并用牙膏和指甲油进行了装饰。 标志性作品的名称为 Bed （1955）。
艺术家在什么时候进入职业生涯？ 他的背景是什么？
知道一幅画是在画家生命的早期还是晚期创作的，通常可以帮助我们欣赏作品。
艺术家通常会随着时间的推移提高绘画技巧，在职业中期达到某个最高点，然后在后期逐渐消失。 但是，有些艺术家死于权力的鼎盛时期。 这些艺术家包括：拉斐尔（1483-1520），卡拉瓦乔（1571-1610），扬·维米尔（1632-75），托马斯·吉尔丁（1775-1802），理查德·帕克斯·波宁顿（1802-28），梵高（1853-90） ，奥布里·比兹利（Aubrey Beardsley）（1872-98），艾萨克·莱维坦（Isaac Levitan）（1860-1900），亨利·德·图卢兹-劳特累克（Henri de Toulouse-Lautrec）（1864-1901），阿梅迪奥·莫迪利亚尼（Amedeo Modigliani）（1884-1920），尼古拉斯·德·斯塔尔（Nicolas de Stael）（1914-1955）和杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）（1912- 56），仅举几例。 另一方面，一些艺术家会早期开花，尽管他们可能会继续绘画数十年，但却无法重蹈覆辙。 在这一类别中，我们可能会发现现代艺术家，例如马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp），乔治·布拉克（Georges Braque），奥斯卡·科科斯卡（Oskar Kokoschka），安德烈·德雷恩（Andre Derain），莫里斯·德·弗拉姆尼克（Maurice de Vlaminck），基斯·凡·东恩（Kees Van Dongen）-甚至可以说是毕加索。 只有极少数人以Tintoretto，Monet，Renoir，Joan Miro和Lucian Freud的方式保持自己的创造力，直至极老。
了解画家的背景也可以解释他/她的绘画的大量内容。
据报道，挪威表现主义画家爱德华·蒙克（Edvard Munch）从未从家庭的许多早期死亡中康复。 在他的许多作品中都可以看出他随之而来的神经质，病态的本性。 墨西哥画家弗里达·卡洛（Frida Kahlo）在6岁时患脊髓灰质炎后从未完全恢复过右腿的使用能力，并且在18岁的公交车事故中受伤严重。 这有助于解释她无止境的自画像系列，弥补了她缺乏活动能力。
保罗·塞尚（ Monte Victoire的 风景， 沐浴者 和静物画）和埃德加·德加（芭蕾舞演员）描绘了某些主题的无穷无尽的版本。 造成这种情况的一个可能原因是，他们都不依靠艺术为生。 当然，没有人尝试过很多肖像画，这是该类型中收益最大的一种。 另一方面，与印象派同事相比，这两个男人的外表都更具古典主义色彩，这有助于解释他们精确而细致的工作方法。
绘画的预期位置在哪里？ （如果有）
显然，一幅旨在在16世纪西班牙修道院食堂的墙壁上占据较大空间的绘画（纪念性的，鼓舞人心的宗教图片）将与打算研究17世纪阿姆斯特丹繁荣的纺织商人的绘画完全不同（小比例，抛光的肖像，室内或静物）。 同样，为加利福尼亚的高科技软件的接收区域设计的绘画（大型现代抽象图片，可能是几何图形或表现主义图形）可能与伦敦市一家私人银行的会议室中安装的绘画不同（传统19世纪景观）。 当然，这些建议不仅仅只是刻板印象，而是用来说明特定地点的艺术品的作用和特征。
B.如何自我评估艺术品
看到： 如何欣赏绘画 。
也可以看看： 分析名画 。
一旦我们调查或研究了绘画的背景，就可以开始欣赏作品本身。 知道如何欣赏绘画本身就是一门艺术，而不是一门科学。 也许艺术评估中最困难的方面是判断绘画方法本身：也就是说，实际绘画是如何完成的？ 因此，我们非常谦虚，为如何评估使用的实际 绘画技术 提供了这些建议。
绘画创作中使用了哪些材料？
使用了哪种油漆？ 画家使用哪种类型的地面或支撑物？ 这些问题的答案可以提供有关艺术家意图的有趣信息。 标准材料是画布上的油漆。 油由于其丰富的色彩，帆布因其适应性强。 然而， 丙烯酸 要么 水彩画 当需要薄釉时，用油代替油；当需要大面积的有色区域时，用丙烯酸也更好。 美国抽象表现主义画家马克·罗斯科（Mark Rothko）和巴尼特·纽曼（Barnett Newman）都以其不朽的彩色画布而闻名，它们在1950年代尝试了油和丙烯酸的混合物。 水彩和丙烯酸涂料的干燥速度也比油快得多，因此非常适合快速加工的绘画。 木 面板画 当打算进行非常精确的绘画时（有时将缩影画在木头，铜甚至石板上）时，有时会用作画布的替代品，或者与 彩画 当画家想要在非常薄的层中堆积涂料时，使用丙烯酸或丙烯酸。
有时，绘画表面，其支撑和框架是艺术品的特定特征。 在1960年代初期，法国当代艺术由极左派先锋派 支持表面 小组主导，该小组的成员在没有担架的情况下绘画大型画布（画布后面的物理支撑），而材料经常被切割，编织或弄皱。 意大利画家卢西奥·丰塔纳（Lucio Fontana）也在60年代以他的“大幅削减”画布为自己取了个名，使观众可以透过图片平面看到超越三维空间，而三维空间本身便成为了作品的一部分。 最近，安格拉·德拉克鲁兹（Angela de la Cruz），2010年英国当代艺术提名人之一 特纳奖 ，她的画布已广为人知，在绘画后，将其从担架上取下并弄皱并重新挂起。
绘画的内容和主题是什么？
这幅画描绘了什么？ 如果是历史图片或 神话绘画 ，问自己以下问题：正在显示什么事件？ 涉及哪些角色，其作用是什么？ 这幅画包含什么信息？ 如果是肖像，请问自己以下问题：谁是保姆？ 艺术家如何描绘他/她？ 保姆的哪些特征或方面受到关注或关注？ 如果是流派场景，请问自己以下问题：正在描绘哪个场景？ 怎么了？ 画家对我们有什么信息（如果有）？ 他为什么选择这个特定场景？ 如果是风景，请问自己以下问题：图片中视图的地理位置是什么？ （例如，这是画家最喜欢的地方吗？）艺术家想向我们传达有关风景的什么信息？ 如果仍然是静物，请问自己以下问题：图片中包含哪些对象-不管看起来多么微不足道？ 艺术家为什么选择这些特殊物品？ 他为什么要像以前那样布置它们？ 静物以其象征意义而闻名，因此值得分析画的物体，以了解每个物体可能象征什么。
如何欣赏绘画中的构图？
构图意味着整体设计（ disegno ），总体布局。 绘画的布局至关重要，因为它很大程度上决定了视觉效果。 为什么？ 因为一幅结构良好的画将吸引并引导观看者的视线围绕图片。 擅长构图的画家总是在一流的学院里接受过经典的培训，在这些学院里，构图是绘画过程中被高度重视的要素。 尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin，1594-1665年），贾德·英格里斯（JAD Ingres，1780年至1867年）和埃德加·德加（Edgar Degas，1834-1917年）是三个最高的例子。
空间有限使我们无法在这里进行详细介绍，但我们建议您对以下作品进行研究：普桑（Poussin） 在埃及的神圣家族 （1655-7，圣彼得堡冬宫）。 Ingres 的《 Valpincon沐浴者》 （1808年，巴黎罗浮宫）； 和 苦艾酒 德加（1876年，奥赛博物馆）。
在第一幅作品中-约瑟夫和玛丽躺在一个城镇的一座寺庙旁边-普桑展示了他惊人的能力，可以将画中的所有东西完全按原样放置，以实现最大的光学和谐，并传达与整体主题。 简而言之，图片中的所有内容都有特定的用途和特定的位置。 在第二幅作品中-一个无窗卧室的内部更简单，在其中我们看到一个坐在床上的匿名女性裸体的后背-Ingres创造了高度象征性的颜色，形式和角度安排，使照片充满了窥淫癖的神秘感。 第三张图片-其中之一 最伟大的流派绘画 曾经-描绘了一个坐在巴黎咖啡馆的妓女，她面前摆着一杯苦艾酒； 另一个男人坐在她旁边； 两者都沉迷于思想和自己的世界。 在这项工作中，Degas使用了一系列角度和线条以及阴沉的深色来捕捉大都市中心地带的细胞状隔离和压抑个人的孤独感。 这三幅作品都提供了许多重要的见解，可以帮助您欣赏绘画的构图。
如何欣赏绘画中的线条和形状？
画家的技艺通常通过线条（轮廓）的力量和自信来体现，从而创造并描绘出画中各种形状。 在一个著名的故事中，一位重要的顾客将信使送给文艺复兴前的伟大画家乔托。 邮差要求Giotto提供身份证明，然后画家制作了画笔和亚麻布，并在上面绘制了一个完美的圆圈。 然后，他将其交给信使，说：“您的主人会确切知道是谁画的。” 线条是绘画结构中的关键元素，并解释了为什么 画画 文艺复兴时期的所有专家都将其视为艺术家的最大属性。 实际上，当欧洲一流的美术学院首次开放时，学生们并没有被教导绘画（ colorito ）-只是绘图。 一些最好的制图员是肖像画家，他们的路线几乎是完美无缺的：一个现代的例子是受过经典训练的肖像画家约翰·辛格·萨金特（John Singer Sargent，1856–1925年），他是“非 盟政变 ”技术的大师-刷，无需重新加工。 在未经古典训练的现代艺术家中，梵高和高更的画作具有强烈而自信的线条。
在具象绘画中：（1）检查艺术家如何使用 明暗法 优化他的数字的3D质量； （2）看他是否使用 tenebrism 作为他的照明计划的一部分，以便将聚光灯放在图片的某些部分上； （3）查看画家是否使用以下技术 渲染层次 在色彩的融合中。
如何欣赏绘画中的色彩？
绘画色彩 是影响我们情感的主要因素，因此在我们欣赏艺术的过程中起着重要作用。 奇怪的是，尽管我们最多可以识别出1000万种颜色，但是英语中只有11种基本颜色术语-黑色，白色，红色，橙色，黄色，绿色，蓝色，紫色，粉红色，棕色和灰色。 因此，准确谈论颜色并不容易。 顺便提一句，“色调”是颜色的同义词；“色相”是颜色的同义词。 “色调”是特定颜色（红色）的较浅版本（例如，粉红色）； “阴影”是较暗的版本（例如洋红色）； “色调”是颜色的亮度，强度或亮度。 顺便说一句，老大师的许多作品随着年龄的增长开始变暗，这使它们看起来不那么吸引人。 它甚至可以使 最好的美术馆 看起来更加阴郁！
画家通过多种方式使用颜色。 采取 马克·罗斯科的画 例如。 罗斯科（Rothko）是最早创作巨大的抽象画布的画家之一，这些抽象画布充满了黄色，橙色，红色，蓝色，靛蓝和紫罗兰色等丰富的色彩。 他的目的是激发观众的情感反应。 那么为何不？ 毕竟，色彩心理学已经对医院，学校和其他机构的室内设计产生了巨大影响。
在历史上，印象派和表现主义（特别是 野兽派 ）是最早发掘色彩全部潜能的国际运动。 学术画家遵循常规的配色方案-绿草，蓝/灰海等，但现代画家则画他们所看到的（印象派）或感受（表现主义者）：如果那意味着画红色的草，那就这样吧。 形象艺术与风景受到同样的对待：因此，“俄罗斯马蒂斯”阿列克谢·冯·贾伦斯基（1864-1941）为肖像画中的色彩设定了新的标准，而德加斯则用色彩为芭蕾舞明星增添了光泽，而对色彩则感到绝望他的苦艾酒饮酒者。 其他艺术家在整个图片中采用单色色调方案，以营造一种特殊的心情。 最高范本包括Corot的浪漫风景，Atkinson Grimshaw的夜景，惠斯勒的色调夜曲，Peter Ilsted的内饰，Kroyer的风景，Hammershoi的内饰以及毕加索（1881-1973）的“蓝色”和“玫瑰”时期作品，仅举几例。
总而言之，画家使用色彩来激发情感，捕捉光的自然主义效果，将人物赋予人物或场景，并为抽象或半抽象的作品增添深度。 它也可以用来吸引观众的眼球。 如果您想学习如何欣赏绘画，请密切注意艺术家如何使用色彩。 问问自己：为什么他/她选择了这个/那个特定的色调？ 它如何影响图片的气氛或构图？ 所使用的不同颜色之间如何相互关联：它们是否产生和谐或摩擦？
如何欣赏绘画中的纹理和笔触？
当要学习如何评估绘画中的质感和笔触时，无可替代的是参观美术馆或博物馆并亲自看些画布。 即使是最好的 艺术书籍 不能在任何程度上复制纹理。 再一次，它往往是受过经典训练的画家，擅长于不同的纹理和使用 厚涂颜料 。 Ingres甚至会选择某些主题（例如 瓦尔平孔沐浴者 1808年， 大皇宫 （1914年），以炫耀他捕捉珍珠质，珍珠母和丝绸等材料质地的技巧。 无论如何，画家对纹理的处理方式如何才能很好地指导其绘画技巧。
笔迹可以很紧（较慢，精确，受控）或较松散（较快，更随意，更表现主义）。 它在很大程度上取决于绘画的风格和情绪，而不是（说）艺术家的气质。 卡拉瓦乔的气质猛烈，但他的画却是受控笔法的模型。 塞尚的性格很慢：他画得太慢了，以至于他静物中的所有水果都在完成前几周就腐烂了。 然而，他许多作品中的笔法异常松散。 概括地说，我们可以说现实主义画家的笔触比表现主义画家更刻意，更易于控制。 印象派画家于1874年在巴黎举行首次展览时，批评家和观众对所谓的“笔法”感到震惊。 在准确的图像成形之前，他们必须远离绘画。 如今，我们对印象派非常放心，但一开始它的超宽松笔法引起了丑闻。
在评估图片时，要问的问题是：笔画会增加还是减少绘画的画质？
如何欣赏绘画中的美？
美学 是一个强烈的个人主题。 我们对事物的看法都不同，包括“艺术”，尤其是“美”。 此外，绘画首先是视觉艺术-我们看到的是事物，而不是思考的事物。 因此，如果询问我们是否认为一幅画很美，我们很可能会立即做出回应。 但是，如果然后要求我们评估一幅画的美感（或缺乏美感）-含义，解释并给出原因-那么，它是一个不同的故事。 因此，为了帮助您分析情况，以下是一些有关绘画的问题。 大多数人关心可见的和谐，规律性和平衡。
图片中明显有什么比例？
希腊艺术 和 文艺复兴时期的艺术 通常是基于一定的比例规则，这与经典的光学和谐观点相符。 因此，也许您所看到的（或没有看到的）美丽可以通过参考作品中（物体和人物的）比例来部分解释。
绘画中是否重复某些形状或图案？
根据心理学家的说法，令人愉悦的形状（尤其是对称图案）的重复可以使眼睛和大脑放松，从而使我们感到愉悦。
绘画中使用的颜色是否互补？
具有互补色相或色调变化的配色方案以其对感官的吸引作用而闻名。
图片会吸引您吗？ 它能引起您的注意吗？
最伟大的画是最容易看的。 它们吸引了我们的注意力，然后“路标”引导我们围绕工作进行观察。
绘画与他人相比如何？
一切都是相对的。 那么，您面前的绘画与同一位画家的同类绘画相比如何？ 如果这是一项成熟的工作，您可能会发现它比以前的版本有所改进，反之亦然。 如果找不到同一艺术家的其他作品，请尝试查看其他艺术家的相似作品。 理想情况下，从同一个年代的作品开始，然后逐渐发展。 你看不到太多的画！
如何欣赏抽象艺术的技巧
抽象画 不容易评估。 他们遵循一般主题就可以了，例如 立体主义 ，或者当它们包含可识别的功能（但纯粹是 具体的艺术 -仅使用几何符号-出于舒适目的往往太聪明了！ 也就是说，很多 抽象画家 为当代文化做出了巨大贡献，我们需要尝试去理解它们。 因此，这里有一些提示。
完全抽象的绘画使我们，观众摆脱了与现实生活的任何视觉联系。 （这就是为什么许多艺术家都使用抽象习语的原因）。 因此，我们不受画外的任何事物的干扰，我们可以专注于作品的绘画方面：即线条，形状，颜色，纹理，笔法等。
尤其要问自己：（1）艺术家如何划分画布？ （2）艺术家如何引导我们的眼光，在哪里流连忘返？ （3）艺术家如何使用色彩来创造深度，吸引注意力或赋予某些具有特定意义或意义的形状？ （4）作品包含哪些特定形式，您认为它们意味着什么？ （5）有时抽象艺术家很少使用色彩，并故意营造极简主义的外观。 如果您发现自己无法对此类作品说太多话，请不要担心：每个人都对它们有困难！ 最好的办法是研究一项特定的作品，并找出顶尖的“艺术专家”对此的看法。 您可能仍然不喜欢它，但是至少您会知道要寻找什么。 （6）一般而言，抽象绘画比其他作品更具头脑。 他们需要解密！ 因此，与其举起双手说“我不明白这幅糟糕的画！”，不如将它当作一个难题，看看能否弄清楚艺术家的目标。
也可以看看： 如何欣赏绘画 。
如何评估艺术：几个最后的问题
在调查了绘画的背景和作品本身之后，我们提出了一些最后的问题。
艺术评论史：著名评论家
您不必了解任何事情 艺术评论家 或他们的历史，以便知道如何欣赏艺术。 因此，我们不会为您带来任何细节。 但是，一些摘录可能会帮助您放心，即使是专家也可以不同意一幅画是天才还是完全的垃圾。
丹尼斯·狄德罗 （ Denis Diderot ，1713-84年）因其《 百科全书》 （ Encyclopedie ，1751-2年）的编辑而被视为艺术批评的创始之父。 他的艺术风格颇具感伤之情，他做了很多重要的事情，其中大多数都太无聊了。
Theophile Thore （1807-69）更有趣：他是法国艺术作家和历史学家，他著名地“重新发现” Jan Vermeer（1632-75），使他成为有史以来最伟大的画家之一。 不过，对威猛（Vermeer）并没有太大帮助。 这个可怜的人几乎付不起面包费，从画中赚不到钱，在早逝后变得晦涩难懂。
另一位著名的艺术评论家是19世纪诗人 Charles Baudelaire （1821-67）。 他著名地开始了Felicien Rops的事业（是否听说过他？），还特别提到了艺术家Constantin Guys（也从未听说过他）。 查尔斯很好。 他还是一年一度的巴黎 沙龙 的定期作家 ，老式的权威禁止所有真正优秀的艺术家，他们最终举办了许多竞争对手的展览，包括 拒绝沙龙 （1863年） 独立沙龙 （1884-1914）和 奥龙沙龙 （1903-起）。
在瑞士和说德语的世界中，可以说是继约翰·温克尔曼之后最伟大的艺术史学家。 雅各布·伯克哈特（Jacob Burckhardt） （1818-97），巴塞尔大学历史学教授。 他最著名的一本书- “文艺复兴时期意大利的文明”（ 死Kultur的DER文艺复兴时期意大利 ），发表于1860 -探索意大利的总体 Rinascimento酒店 以及对19世纪的艺术批评产生了重大影响。
在英国，最伟大的19世纪艺术评论家是 约翰·罗斯金 （1819至1900年）。 一位才华横溢的艺术家和美丽的作家，因回忆起5册《 现代画家》 （1843-60），《 七盏建筑灯》 （1849年）和3册 《威尼斯的石头》 （1851 -3年）等 经典作品，他最终发疯了，但是在他将著名的诽谤案输给惠斯勒之前，
也可以看看： 最伟大的现代绘画 （1800-1900）。
罗杰·弗莱 （1866-1934）是一位很有影响力的英国艺术评论家，嗓音优美。 他建立了 意大利文艺复兴时期 的专家声誉， 并在纽约大都会艺术博物馆担任绘画策展人（1906-10年）。 然而，在1907年，弗莱“发现”塞尚，并将他的兴趣转向 后印象派 -成为运动的最大冠军。 在伦敦，分别于1910年和1912年策划了两次印象派开创性展览。 许多游客认为弗莱太疯狂了。 他的主要使徒是作家，艺术评论家和形式主义者 克莱夫·贝尔 （1881-1964）。
赫伯特·里德 （1893-1968）是20世纪著名的英国艺术评论家，也是 现代艺术 。 出版了大量作品，包括 艺术的意义 （1931年）， 现在的艺术 （1933年）， 通过艺术进行的教育 （1943年）， 现代绘画的简明历史 （1959年）和 现代雕塑的简明历史 （1964年）。 说够了。
回到法国，诗人是20世纪初期的主要艺术评论家 纪尧姆·阿波利奈尔 （1880年至1918年）。 毕加索，立体派，Orphism，Marc Chagall，Giorgio de Chirico，Andre Derain，Henri Matisse，Henri Rousseau和Marcel Duchamp的杰出宣传家，他的艺术评价是无可挑剔的。
超现实主义有自己的内部宣传家，例如 安德烈·布雷顿 （ Andre Breton ，1896-1966年），到第二次世界大战爆发时，几乎所有艺术家都离开了巴黎，前往纽约，而纽约如今已成为世界艺术中心。 其主要的艺术评论家是 克莱门特·格林伯格 （1909至1994年）， 哈罗德·罗森伯格 （1906-78）和 约翰·加拿大 （1907年至1985年）。 格林伯格曾是托洛茨基主义者，他偏爱 杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的画 等抽象作品， 并撰写了《 艺术与文化》 （ Art and Culture ，1961）以及米罗（Miro，1948）等专着。 不幸的是，尽管他当然知道如何欣赏绘画，但大部分 前卫艺术 他非常喜欢几乎难以理解的东西-就像格林伯格本人一样。 与格林伯格一样，罗森伯格也是前卫抽象派的追随者。 纽约时报艺术评论家加拿大（Canaday）是为数不多的有影响力 的抽象表现主义 批评家 之一。
肯尼斯·克拉克（Kenneth Clark） （1903-83）尽管比20世纪大多数批评家更多地是传统主义者，但可以说他是最有影响力的人，因为他创作了屡获殊荣的BBC电视纪录片系列“文明”，在英国和美国都非常成功，以及整个英语世界。
欣赏所有艺术品是不可能的
法国印象派是有史以来最成功，最有影响力的艺术运动之一。然而，一开始它不仅遭到批评者的嘲笑，而且受到观看公众的所有阶层的嘲笑。莫奈，雷诺阿和毕沙罗差点饿死。希思黎死于贫困。
1913年春， 军械库展览会 （ Armory Show） 是美国有史以来最伟大的现代艺术展览，在前往芝加哥和波士顿旅行之前在曼哈顿举行。 大约有300, 000美国人观看了1300个展览，其中展出了最新的欧洲绘画以及精选的当代美国最佳艺术。 意见分歧很大，尤其是在涉及立体派和其他20世纪作品时。 暴动发生后，艺术家马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）遭到暴民的身体攻击，他们决心烧毁该展览。
课程？ 并非所有高质量的艺术都容易被理解或理解。
【艺术百科】艺术评估：如何欣赏艺术，判断绘画
